Cine animado japonés - Los dibujos animados del crisantemo imperial

ANIMACION

Hacer un recuento del cine de dibujos animados en Japón es remontarse a unos antecedentes que van cerca de mil años atrás, cuando en el periodo conocido como Kamakura (1186-1340) los japonenses copian los Chojugiga, que eran rollos de papel pintados y que representan animales vestidos con ropas y haciendo actividades humanas. La invención de estos rollos es atribuida al sacerdote budista Toba, en la China del siglo XII.

Por Álvaro Vélez

Sin embargo, son más cercanos los Ukigo-e, que son piezas pintadas y que representan la primera manifestación artística popular en Japón. Los Ukigo-e se utilizaban, en gran medida, para satirizar algunas posturas del gobierno y hacer más pasadera la difícil y estrecha situación política y económica del periodo Edo (1610-1868). Durante la segunda mitad del siglo XIX Japón inició un proceso de apertura en el cual el dibujo y la narración dibujada, en especial, recibieron el influjo de Occidente.

Es necesario, cuando se habla de anime (animación japonesa), enfatizar la estrecha relación que el cine de dibujos animados, en Japón, tiene con el manga (el cómic japonés). El anime y el manga, en el país del sol naciente, se encuentran en una relación de constante simbiosis, siendo cada una de las manifestaciones influenciada por la otra, en estética y contenido. Las primeras animaciones japonesas datan de la década de 1910, siendo Momotaro (1918), de Kitayanna Seitaro, la más representativa. Se trataba de obras en cine mudo y a blanco y negro, muy similares a Gertie the Dinosaur (1914) o The Sinking of the Lusitania (1918), del norteamericano y padre de la animación en Occidente Winsor McKay. Más adelante, y con la llegada del sonido, un nuevo título dentro del cine animado japonés se destaca como el primero en su género con audio: Chikara to Onno no Yononaka (1932), de Masaoka Kenzo. Sin embargo, es a partir de la segunda mitad del siglo XX, más específicamente desde el periodo de ocupación del archipiélago nipón por los norteamericanos, después de la Segunda Guerra Mundial, que el cine de dibujos animados toma en Japón un verdadero impulso. Durante esta época los japoneses aprenden de los métodos de producción a escala industrial de los norteamericanos. La falta de dinero incita a la realización del cine en dibujos animados, que tienen un costo de producción relativamente bajo y con los cuales se puede decir mucho sin necesidad de una gran inversión.

Se puede afirmar que el padre de la animación moderna en Japón es Osamu Tezuka , quien en 1947 había roto el récord de ventas de un manga con su obra Shin Takarajima ( La nueva Isla del Tesoro ). Tezuka, gran admirador de las animaciones de Walt Disney, crea en la década de 1950 el manga Tetsuwana Atom (más conocido como Astroboy ), que luego será llevado a la animación y que se convertirá en todo un clásico del anime, sentando de paso algunas de las pautas estéticas de muchos de los dibujos animados hechos en Japón. Tezuka creó, en 1957, los estudios Toei Animation Co. para producir obras a la altura de la industria norteamericana. Obras como Saiyu-ki ( El rey mono ) o Astroboy , en formatos de serie para televisión, pertenecen a este periodo.

A partir de la década de 1960, la producción de dibujos animados en Japón corre por dos vertientes: las series de televisión y el cine de dibujos animados. Ambas producciones mantienen una estrecha relación con el manga, ya sea porque son adaptaciones a partir de un cómic o porque es la animación la que inspira una posterior edición impresa en cómic. Ejemplos de esta década se pueden encontrar en obras como Speed Racer ( Meteoro ), IronMan 28 ( Tetsujin 28 ), Eight Man , Cyborg009 ( Ópera espacial ) o Centella . Muchas pasaron de las series de televisión a la pantalla gigante.

Obviamente, estos eran comienzos vacilantes y de mucha experimentación, pero fueron el inicio de la industria. En los años setenta, el anime-manga experimentó el primer gran boom. Series como Mazinger Z de Go Nagai, Heidi de Hayao Miyazaki, Marco , Doraemon , Capitán Harlock , Cobra , La abeja Maya , José Miel o Galaxy Express , iniciaron un lento pero seguro paso de penetración en Occidente. Pero es Akira (revista Young Magazine, 1982), de Katsuhiro Otomo, un manga que luego será llevado por el mismo Otomo al cine, en 1988, el que se convierte en un parte aguas del anime, pues abre de lleno el interés sobre el anime y el manga en Occidente, además de que produce un shock en la industria occidental de animación por lo logrado de su factura. A partir de Akira el dibujo animado japonés comenzará a tener una muy amplia aceptación en Occidente y las obras lograrán, en muchos de los casos, una calidad en forma y contenido que competirá codo a codo con la producción de dibujos animados del mundo occidental.

Obras realistas como Gen Barefod ( Hadashi no Gen , 1983), de Masaka Mori, acerca del holocausto atómico sobre la ciudad de Hiroshima, o Tumba de Luciérnagas ( Hotaru no Haka , 1988), un film de Isao Takahata basado en el libro autobiográfico de Nosaka Akiyuki, que cuenta las terribles jornadas de un par de niños huérfanos durante el bombardeo a la ciudad de Kobe (marzo de 1945).

Cine animado en clave cyberpunk como la ya mencionada Akira o Ghost in the Shell (1986), un manga de Masamune Shirow llevado al cine por Mamuro Oshii. Anime inspirado en las historias épicas del Japón, con una buena dosis de fantasía como Ninja Scroll o Vampire Hunter D - Bloodlust (2000), ambas de Yoshiaki Kawajiri. Fascinantes mundos paralelos, el pasado que pudo ser o amalgama de referencias como Jin Roh (1998), de Hiroyoki Okiura o la preciosista Metrópolis (2002), de Rin Taro, una película cargada de referencias cinematográficas que van desde la Metrópolis de Fritz Lang hasta Astroboy de Ozamu Tezuka, pasando por claras referencias al cine negro. Y toda la obra del que es considerado, en la actualidad, el maestro del cine de dibujos animados: Hayao Miyazaki, con películas como la ya considerada de culto Mononoke Hime (1997), la tierna Mi vecino Totoro (1988) o la fantástica, en forma y contenido, El viaje de Chihiro (2001).

El cine animado japonés tiene mucho que ofrecer: una multiplicidad de géneros y contenidos, donde es posible encontrar una diversidad de historias que van desde lo pornográfico y erótico hasta lo más infantil, pasando por historias épicas, futuristas, dramas de la realidad, historias cargadas de fantasía o piezas de un alto contenido histórico; una innumerable gama de estéticas, donde la paleta de colores tiene infinitas opciones o la fisonomía de los personajes puede ser de muy variados tipos; una dinámica en animación que puede ir desde lo casi estático (animatic) hasta una fluidez que se acerca a lo real y donde las técnicas van desde el elemental trazo a mano hasta la utilización del más complicado software de animación digital. Pero quizás lo más importante es que gran parte del cine animado japonés (un poco más que el de Occidente) no está hecho bajo fórmulas; lo que se quiere es narrar historias interesantes. El uso de dibujos en movimiento es tan sólo un medio más para decir algo que vale la pena contar, y el anime no está condicionado a un solo tipo de espectador sino que, por su diversidad de géneros, historias, formas de narrar, estéticas y técnicas, posee una amplia gama de públicos.

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Wong Kar-Wai - La humanidad y el Amor

Wong-Kar-Wai

Sobre Wong Kar-wai recae la fama de cineasta difícil que realiza sus películas sin tener muy claro para dónde va; se dice que en mitad de una filmación puede cambiar la historia, los actores o la época de la película. Con esta forma de trabajo, un tanto caótica, es natural que algunos de sus proyectos se tomen más tiempo y dinero del presupuestado inicialmente, motivo que, a su vez, priva a los cinéfilos del placer de contar con un mayor número de películas suyas en las salas.

Por Francisco Pulgarín

Así ocurrió por ejemplo con su película 2046 , que tardó varios años en postproducción, sin mencionar que trabajaba en ella mientras rodaba la excepcional In the Mood for Love , que, a la postre, resultó ser la primera parte de 2046 . Lo cierto es que más allá de toda la información adicional que se pueda tener de la forma como trabaja este chino y de que su nombre pase inadvertido para la mayoría del gran público, Kar-wai posee una de las visiones más originales e interesantes en el actual panorama cinematográfico mundial.

Como todo gran artista, Kar-wai hace gravitar su trabajo en torno a unos temas que lo persiguen y obsesionan. Es así como el amor termina siendo privilegiado en la filmografía del director chino. Pero él sabe que no se puede mencionar el amor sin convocar su contraparte: el desamor; por eso sus películas destilan una cierta amargura que nace muchas veces de la imposibilidad de llevar a buen término lo que se comienza. Digamos que para el cineasta chino el amor es un milagro y como tal llega pocas veces en la vida; sin embargo, que llegue no garantiza nada, es apenas el comienzo, pues para que dos personas se amen además del amor se necesitan muchos otros factores externos que deben funcionar a plenitud para que la maquinaria no se vea afectada. Así van surgiendo los otros temas que atraen al director: el arrepentimiento, la culpa, la impotencia humana frente al destino, la imposibilidad de recobrar el tiempo perdido.

Mikio Naruse ha padecido el oscuro destino de estar generacionalmente muy cerca de los otros tres grandes del cine japonés (Kenji Mizoguchi, Yazujiro Ozu y Akira Kurosawa), más conocidos y difundidos en Occidente y con obras de unas dimensiones notables en el conjunto de la historia del cine.

Kar-wai logra crear en sus películas un universo plagado de sus obsesiones y miedos. En ellas se asombra con la vida pero la respeta, sabe que vivir es llenarse grietas, poblar la memoria de recuerdos que una y otra vez volverán a nosotros como remordimientos, como sinsabores; por eso su mirada podría parecer un tanto escéptica, pero lo que en realidad hay en él es un profundo amor por la vida y por los seres humanos.

Al mirar la filmografía completa de Kar-wai, es como si sus películas fueran parte de un gran rompecabezas que poco a poco se va armando, se va configurando hasta hacer toda una radiografía del amor, de sus avatares, de los sinsabores que nos va dejando. En suma, una radiografía de la vida misma y de las dificultades que ésta comporta. Sus películas son la forma de develar ese gran secreto que el director chino susurra en el agujero de un árbol para que se mantenga ahí, en la retina de sus espectadores, en la mente de todos los que algunas vez hemos sufrido y disfrutado con el amor, con sus películas, con la vida.

WONG KAR-WAI - FILMOGRAFÍA

1988 As Tears Go By
1991 Days Of Being Wild
1994 Ashes of Time
1994 Chungking Express

1995 Fallen Angels
1997 Felices juntos ( Happy Together )
2000 Deseando amar ( In the Mood for Love )
2004 2046

Muestra en Santa Fe de Antioquia

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Felices juntos (Cheun Gwong Tsa Sit - Happy Together)

Dirección y guión: Wong Kar-Wai
Producción: Chang Ye-cheng
Fotografía: Christopher Doyle
Música: Danny Chung
Reparto: Leslie Cheung, Tony Leung, Chang Chen, Gregory Dayton, Shirley Kwan
Hong Kong, 1997 - 94 min


Lai Yiu-Kai y Ho Po-Wing viven una apasionada relación. Viajan de Hong Kong a Argentina, pero la llegada al nuevo país parece transformar las cosas y Ho, de repente, abandona a Lai. Éste comienza a trabajar en una bolera, con el único afán de reunir el dinero suficiente para volver a su país. Un día Ho reaparece, con la propuesta de sus anteriores regresos: volver a empezar. Pero las cosas ya no son iguales.

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Deseando amar (In the Mood for Love)

Dirección, guión y producción: Wong Kar-Wai
Fotografía: Christopher Doyle
Música: Michael Galaso
Reparto: Tony Leung, Maggie Cheung
Hong Kong, 2000 - 98 min


Hong Kong, 1962. Chow Mo-Wan se traslada con su esposa a un edificio habitado principalmente por miembros de la comunidad de Shanghai. Allí conoce a Li, una joven y atractiva mujer que vive con su esposo. Se cruzan muchas veces comprando comida o paseando y empiezan a tener una sutil y callada amistad, expresada en sentimientos contenidos y miradas sesgadas y en los cuerpos que se desean casi sin tocarse

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2046

Dirección, guión y producción: Wong Kar-Wai
Fotografía: Christopher Doyle, Kwan Pun-leung, Lai Yiu-Fai
Música: Peer Raben
Reparto: Tony Leung, Maggie Cheung, Gong Li, Takuya Kimura, Faye Wong, Zhang Ziyi
Hong Kong, 2004 - 123 min


Era escritor y pensaba que escribía sobre el futuro, pero realmente escribía sobre el pasado. En su novela, un misterioso tren salía de vez en cuando hacia el año 2046. Todos los que iban en él tenían la misma intención: recuperar su memoria perdida. Se decía que en el 2046 nada cambiaría. Nadie sabía a ciencia cierta si era verdad.

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Takeshi Kitano - Demasiado humano

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El patiño de un grupo cómico, humorista de segunda, que es contratado para actuar en una película ( Feliz Navidad, Mr. Lawrence . Dir: Nagisa Oshima, 1983) y que, por azares del destino, se convierte en director de cine, pero no uno cualquiera, pues su obra logra unos alcances que bien podrían parecer paradójicos y hasta disonantes, surgida de una profunda búsqueda personal, matizada por la constante fascinación hacia la violencia y el humor (en igual medida) y de unos alcances expresivos que logran mostrar lo más sublime y, en otros instantes, lo más bajo de la condición humana.

Por Álvaro Vélez

Ese cómico, ese actor y cineasta además de músico, pintor y presentador de TV, es Takeshi Kitano, un director japonés que, como pocos, ha logrado reflejar en sus películas la realidad de un Japón siempre entre dos instancias: la tradición y la modernidad, los valores sociales y la mafia yakuza, su filosofía pacifista y la ultraviolencia, su adustez y el desenfrenado empeño por manifestar sus sentimientos y frustraciones.

Kitano inicia su carrera de director de cine con un film que cae a sus manos de manera accidental, pues en primera instancia había sido contratado como protagonista. Se trata de Violent Cop ( Sono Otoko Kyoto , 1983), una película acerca de un policía que decide tomar la justicia por sus propias manos. Luego vendría Boiling Point ( 3-4X Jugatsu , 1990), donde Kitano comienza a desarrollar su visión particular de la mafia japonesa a partir de un jefe yakuza sumido en el existencialismo, un hombre perdido que usa la violencia a manera de lenguaje; las armas y los puños responden por él. A Scene at the Sea ( Ano Natsu, Ichiban Shizukana Uni , 1992), un cuadro minimalista, una perpetua secuencia en la playa en donde dos jóvenes comparten distintas actividades. Con Sonatina (1993), Kitano logra el reconocimiento de Occidente gracias a que su film es presentado en el Festival de Cannes. Se trata de una película en que el director retoma el tema de los yakuza, pero le imprime un esencial elemento de humor, ingrediente que contrasta con un ambiente violento y de decadencia. En Getting Any ( Mina Yatterukai , 1994), Kitano desarrolla, de manera más atrevida, la mezcla que logra con Sonatina : combinar el humor con la violencia y además agregarle otros elementos de difícil digestión como el absurdo, el constante sinsentido, matizados por ese mismo ambiente sórdido y decadente de la mafia japonesa, que hacen que este film, montado en una serie de sketches , no tenga un resultado tan afortunado como el de sus anteriores películas. Sin embargo, vendrán obras más significativas como Kids Return ( Kidzu Ritan , 1996), un film más personal acerca de la relación entre dos amigos de la infancia, involucrados con el mundo del boxeo, y de cómo en cierto momento de la vida los caminos que antes iban paralelos inevitablemente tienen que alejarse, donde cada quien toma por su lado.

Con Flores de fuego ( Hana-bi , 1997), Takeshi Kitano logra su consagración como cineasta. Aquí trata el tema recurrente de gran parte de su obra: la mafia yakuza, su intromisión en la “familia” para descifrar sus procedimientos, no sin antes demostrar que a pesar del proceder violento, de la dureza y sordidez de sus medios, de su inminente decadencia, se trata de seres humanos que también manifiestan un profundo afecto por otras personas y por la vida misma. Flores de fuego le valió a Kitano el León de Oro del Festival de Venecia, no sólo por lo sublime de su historia sino también por la impecable factura técnica del film. Una simpática y entretenida comedia, entre un niño y un adulto descreído y egoísta es Kikujiro ( Kikujiro No Natsu , 1999), donde Kitano da rienda suelta a su desfachatez y, al mismo tiempo, gusto por la vida. El director volverá luego a su camino más recorrido con Brother (2000), una vez más tocando el tema de la mafia yakuza pero, en esta ocasión, en una tierra que no le pertenece, fuera del territorio nipón.

Los seres humanos, muñecos del destino, somos manejados de aquí para allá por los hilos del devenir: ésta parece ser la más clara afirmación que nos deja Kitano en Muñecas (2002), un film preciosista acerca de la relación amorosa de tres parejas: unos novios separados por las convenciones sociales que ahora caminan atados de una soga, un viejo yakuza que deja escapar el amor de su vida y una cantante pop caída en desgracia que recibirá una prueba de fidelidad por parte de uno de sus fans. Zatoichi (2004), un remake del conocido vagabundo y masajista que resuelve entuertos en pueblos y aldeas, con una buena dosis de todos los elementos del cine de acción oriental y con importantes pinceladas del cine de western, además de los consabidos toques de humor, es el más reciente film de Takeshi Kitano.

Para finalizar, un aspecto que no se puede olvidar de este director es su doble personalidad. Además de cineasta, Takeshi Kitano es también Beat Takeshi el actor, el duro y adusto protagonista de sus películas que, sin embargo, puede pasar a la afabilidad, la ternura y la más profunda compasión. Ese es Kitano, el hombre completo, el que va del oscuro al blanco, el que retrata al ser humano en su justa medida: tan diabólico y, al mismo tiempo, tan divino.

TAKESHI KITANO - FILMOGRAFÍA

1989 Policía Violento
1990 Punto de Ebullición
1991 A Scene at the Sea
1993 Sonatina
1994 Getting Any
1996 Kids Return
1997 Flores de fuego
1999 El verano de Kikujiro
2000 Brother
2002 Muñecas
2003 Zatoichi
2005 Takeshis

Muestra en Santa Fe de Antioquia

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Sonatina (Sonatine)

Dirección y guión:Takeshi Kitano
Producción: Masayuki, Mori Hisao Nabeshima
Fotografía: Katsumi Yanaghimi
Música: Joe Hisaishi
Reparto: Beat Takeshi Kitano, Murakawua, Aya Kokumai, Tetsu Watanabe, Masanobu Katsumura
Japón, 1993 - 94 min


Una pandilla de yakuzas debe pasar un tiempo fuera de la ciudad, a causa de la acusación que pesa sobre sí de haber matado a un alto jerarca de la mafia. Mientras tratan de matar el tiempo con juegos infantiles en la playa, su jefe planea una violenta venganza.

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Flores de fuego (Hana-bi)

Dirección y guión:Takeshi Kitano
Producción: Masayuki Mori, Yasushi Tsuge y Takio Yoshida
Fotografía: Hideo Yamamoto
Música: Joe Hisaishi
Reparto: Beat Takeshi Kitano, Kayoko Kishimoto, Ren Osugi, Tetsu Watanabe, Susumu Terajima, Yasuei Yakushiji
Japón, 1997 - 103 min


Nishi es un policía cuya mujer padece una enfermedad mortal. Su compañero, Horibe, luego de quedar inválido, es abandonado por su mujer y su hija. Hana-bi es una película sobre la violencia, la vida y la muerte: la lucha contra el asesino que se da a la fuga, la feroz batalla contra los gángsters por una deuda o la muerte de la hija de Nishi que se presenta como fondo de la historia.

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Muñecas (Dolls)

Dirección y guión:Takeshi Kitano
Producción: Masayuki Mori, Yasushi Tsuge y Takio Yoshida
Fotografía: Katsumi Yanagishima
Música: Joe Hisaishi
Reparto: Miko Kanno, Hidetoshi Nishijima, Tatsuya Mihashi, Chieko Matsubara, Kyoko Fukada, Tsutomu Tageshige
Japón, 2002 - 113 min


Tres historias de amor y dolor: Sawako y Matsumoto eran una pareja feliz, pero las presiones de sus entrometidos padres les obligarán a hacer una vital elección. Hiro es un anciano jefe de la yakuza, que treinta años atrás abandonó a su amada novia por sus sueños de prosperar. Haruna era una exitosa cantante pop, que ahora lo ha perdido todo, pero Nukui, su más devoto fanático, se dispone a demostrarle su amor.

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Mikio Naruse - La vida aquí y ahora

Mikio-Naruse

Nacido en Tokio en el año de 1905 y fallecido en la misma ciudad en 1969, Mikio Naruse fue víctima durante largo tiempo de un imperdonable e injustificado olvido. Luego de 1969 su obra entró en una penumbra que sólo empezó a ceder casi a mitad de la década del ochenta, cuando una serie de retrospectivas en distintos festivales (Tokio, Hong Kong, Locarno, Chicago) la regresaron a la luz.

Por Orlando Mora

En los países de habla hispana el gran responsable de esa recuperación fue el festival internacional de cine de San Sebastián, que organizó en el año de 1998 una espléndida muestra con buena parte de su filmografía, en uno de los ciclos más maravillosos del certamen donostiarra de la última década.

En los países de habla hispana el gran responsable de esa recuperación fue el festival internacional de cine de San Sebastián, que organizó en el año de 1998 una espléndida muestra con buena parte de su filmografía, en uno de los ciclos más maravillosos del certamen donostiarra de la última década.

Mikio Naruse ha padecido el oscuro destino de estar generacionalmente muy cerca de los otros tres grandes del cine japonés (Kenji Mizoguchi, Yazujiro Ozu y Akira Kurosawa), más conocidos y difundidos en Occidente y con obras de unas dimensiones notables en el conjunto de la historia del cine.

Plantear si Naruse es superior o inferior a los otros maestros del Japón es una discusión estéril y que, curiosamente, ha afectado más su obra que las de Ozu, Mizoguchi y Kurosawa. La verdad es que el autor de Nubes flotantes es tan importante y valioso como sus tres compatriotas, con un cine sorprendentemente personal y con características que lo distinguen de todos ellos.

Por eso la decisión final del comité de programación del Festival de Cine y Video de Santa Fe de Antioquia de preferirlo a los otros maestros, en una determinación que confiamos deje el nombre de Naruse instalado definitivamente en la memoria de los cinéfilos jóvenes que asisten al evento.

Mikio Naruse entró a trabajar con apenas quince años a la productora Shochiku, teniendo así la oportunidad de aprender la técnica desde las mismas entrañas de la actividad práctica. Cuando diez años más tarde pasó a la dirección (alcanzó a realizar algo más de veinte películas mudas, casi todas hoy desaparecidas), sabía ya muchas cosas del oficio.

La experiencia en la productora Shochiku fue fundamental en la carrera de Naruse, no sólo en cuanto descubrió los secretos del trabajo con la práctica misma, sino además le sirvió para adquirir una conciencia y una responsabilidad profesional que fueron definitivas en su vida.

De la Shochiku, Naruse pasó a la Toho en 1934, conquistando allí un nombre como director de Estudio, célebre por la manera cumplida y oportuna como atendía sus compromisos de fechas de inicio y finalización de rodaje, una experiencia que resulta siempre de necesarios asimilación y aprendizaje.

Un segundo elemento destacable en la formación del autor de Tres hermanas de corazón puro fue su experiencia con el cine mudo, que le dejó una preferencia por encontrar en la imagen la fuente principal de sus películas, sin conceder nunca un terreno excesivo a la palabra.

El cine de Mikio Naruse es fundamentalmente visual y su potencial expresivo y significativo se construye a partir de la manera como sabe colocar en escena, pensando en las posibilidades de la cámara. La posición y los movimientos de los actores en el campo juegan un papel definitivo, entregando a los gestos y a la dirección de la mirada un valor infrecuente en el cine y realmente impagable.

Como director de Estudio Naruse debió atender distintos géneros, pero en definitiva es el drama el más característico y en el que al final mejor se mueve.

Un drama que presenta la característica central de eludir con la finura del tratamiento los aspectos más escabrosos de las tramas. Su preferencia por las historias de la vida cotidiana llevó a que muchos calificaran a Naruse como “el segundo Ozu” , en referencia a la capacidad de este último para acercarse a cuadros de intimidad de las familias japonesas.

Algo de verdad hay en la referencia, aunque vale la pena matizarla en el sentido de que el manejo de Naruse a ese material es bastante diferente.

A lo mejor sin el sentido poético que Ozu agregaba a través de la planificación, los encuadres y el estatismo de su mirada, en Naruse la vida cotidiana adquiere una gran complejidad y un campo importante de ella queda librada a la sugerencia.

Naruse no documenta la realidad: la redescubre en la diversidad de sus aristas, afirmando en las historias y en el sentido de los personajes que la vida está aquí y ahora, tal como la muestra con el joven ejecutivo de La voz de la montaña y en la reconstrucción de la pérdida trágica del enamorado en Nubes dispersas.

Si bien los críticos coinciden en que el nombre de Mikio Naruse está unido a los dos momentos dorados del cine japonés en los años treinta y cincuenta, las disponibilidades de material con las que el Festival se ha enfrentado lo han llevado a una muestra centrada en la segunda etapa y en sus trabajos siguientes hasta el final con Nubes dispersas , impresionante testamento cinematográfico terminado poco antes de su muerte.

Nubes flotantes (1955), Cuando una mujer sube la escalera (1960) y Nubes dispersas (1967), integran la breve muestra con la que el Festival quiere presentar al público la obra de Mikio Naruse, el nombre que nos faltaba en el grupo de los grandes del cine japonés. Otros filmes suyos son: La madre , Crisantemos tardíos y La geisha sin amor .

MIKIO NARUSE - FILMOGRAFÍA

Selección de sus mejores películas entre las 74 que realizó:

1935 Tsuma yo Bara no Yo ni
1952 La madre ( Okasan )
1952 Inazuma
1951 Ginza Gesho
1951 Meshi
1953 Esposa ( Tsuma )
1955 Nubes flotantes ( Ukigumo )
1960 Cuando una mujer sube la escalera ( Onna Ga Kaidan O Agaru Toki )
1967 Nubes dispersas ( Midaregumo )

Muestra en Santa Fe de Antioquia

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Nubes flotantes (Ukigumo)

Dirección: Mikio Naruse
Guión: Yoko Mizuki
Producción: Sanezumi Fujimoto
Fotografía: Masao Tamai
Música: Ichiro Saito
Reparto: Hideko Takamine, Masayuki Mori, Isao Yamagata, Mariko Okada, Chieko Nakakita
Japón, 1955 - 123 min


Yukiko recorre las ruinas producidas por los bombardeos de Tokio en busca de Tomioka, un hombre con el que trabajó durante la guerra. Yukiko confía en ser bien recibida por Tamioka, a quien cree recientemente divorciado, pero descubre que aún sigue casado y vive con su mujer. En adelante se desarrolla entre la pareja una historia cargada de altibajos, soledades y desencuentros.

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Cuando una mujer sube la escalera

Dirección: Mikio Naruse
Producción y guión: Ryuzo Kikushima
Fotografía: Masao Tamai
Música: Toshiro Mayuzumi
Reparto: Hideko Takamine, Masayuki Mori, Reiko Dan, Tatsuya Nakadai, Ganjiro Nakamura, Daisuke Katô, Eitarô Ozawa, Keiko Awaji
Japón, 1960 - 111 min


Keiko es la Madam del bar Lilac en Tokio; por esta razón debe mantener un alto nivel de gastos. Además sostiene a su madre y ayuda económicamente a su hermano desempleado y con un hijo enfermo. Aunque su situación económica es cada vez más difícil, Keiko se opone a recibir ayuda de ricos empresarios y a mezclar el amor con los negocios, a diferencia de otras encargadas de bares.

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Nubes dispersas (Midaregumo)

Dirección: Mikio Naruse
Guión: Nobuo Yamada
Producción: Sanezumi Fujimoto, Masakatsu Kaneko
Fotografía: Yuzuru Aizawa
Música: Toru Takemitsu
Reparto: Yuzo Kayama, Yôko Tsukasa, Mitsuko Kusabue, Mitsuko Mito, Mie Hama, Yu Fujiki, Daisuke Katô, Yoshio Tsuchiya
Japón, 1967 - 108 min


Hiroshi y Yumico conforman una joven pareja y esperan su primer hijo. Él ha sido ascendido en su trabajo y ahora tienen planes para viajar a Washington. Pero un accidente cambiará el destino para Yumiko y para el causante de la muerte de su esposo, con quien inevitablemente estará ligada de una incómoda manera.

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